[RESEÑA] “IMPARES” DE MATÍAS CHENZO

Viaje experimental sobre el despertar (sexual)

Publicado en Indie Hoy.

Impares01.jpg

Hablar de Impares es difícil. No porque no haya nada que contar sino por la dificultad de clasificarla, ¿estamos ante un drama de una joven que no sabe cómo reaccionar ante la presión de sus pensamientos, detonados por la infidelidad de su novio? ¿Es una obra erótica sobre el despertar (liberación) sexual de una chica, quien se mostraba cauta en sus inclinaciones pero que el voyeurismo le abre una puerta de satisfacción nunca explorada? ¿O estamos ante una obra de experimentación gráfica con una historia de excusa para que su autor incursione en distintas expresiones y narraciones?

Probablemente sea la suma de todo ello, con certeza que la obra se destaca por el viaje que propone la narración de Matías Chenzo. En cada una de las páginas se siente la pasión y el compromiso del autor por transmitir la historia y los sentimientos de los personajes a través de los dibujos; que no sean las palabras (aunque estas en menor medida y cantidad también tienen su buen efecto llegado el momento) las que nos cuentan la historia, sino que sea la protagonista y sus dudas, su goce y sus desconciertos, que no sean solo personajes ni nosotros solo lectores y entre ambos se trace una relación. Para eso utiliza con seguridad y certeza todos sus recursos, si es necesario ocupa varias páginas para que el lector no solo se dé por enterado del despertar sexual de Triana sino que hasta lo sienta como propio.

Hay cambios de estilos, aplicación de color, paginas de historietas, de ilustración, viñetas de sexo, pasajes de diálogos, inclusión de música, de chats, experimentación, sueños, alucinaciones y un largo etcétera de recursos que Chenzo ejecuta para esta impresionante narración visual que arranca en la primera página y, lamentablemente, termina una buena cantidad de páginas después.

La historia aporta diálogos interesantes y correctos para las pocas escenas que hay entre personajes que sirven para contextualizar, organizar y dar corte a las escenas intimistas de Triana. Aunque tiene las manos atadas para darle espacio y tiempo al dibujo, está bien ejecutado, suma coherencia y la posibilidad de varias relecturas para que la obra no sea solo una historieta experimental.

Impares es un viaje de sensaciones único y alucinante, con una narración atrapante gracias a que el autor no se queda con la excusa para el dibujo, posibilitando una lectura más profunda.

Anuncios

[RESEÑA] “Los Potenciales” de Patricio Oliver

Título: Psicodelia en forma de superhéroes.

Pre-venta disponible: https://www.facebook.com/szamaediciones/posts/2245713218818570

Totem Comics es un sello editorial digital fundado en 2012 por Quique Alcatena y Fernando Calvi con la finalidad de reunir historias de superhéroes de diversos autores, armando un hermoso y variado catalogo en personajes, historias y estilos disponible para su lectura online. Como corresponde en la mayoría de estos casos, se produjo el traspaso en papel de varios de sus personajes, como Sereno de Luciano Vecchio, Dr. Paradox de Quique Alcatena, Apagón de Lea Caballero, y en esta oportunidad, con la anunciada pre-venta de parte de Szama Ediciones, es el turno de Los Potenciales de Patricio Oliver.

Los Potenciales 000 Tapa

Luego de ver la imponente portada nos surgen dos pensamientos. El primero es que esta apertura puede tratarse de un engaño y este nivel de psicodelia en los colores no va a estar presente en el interior  y lo segundo es, sin leer el nombre del autor, podríamos estar ante una obra de Fer Calvi quien nos tiene acostumbrado a jugar con sus estilos en varias historietas (incluso la inconclusa Sombre del mismo sello digital tiene un aire muy similar). Cuando damos vuelta la página podemos darnos cuenta de lo equivocado que estábamos, por lo menos en nuestra primera observación.

El nivel de calidad en el uso de colores y estilo de Oliver se mantiene en todo el libro, ni siquiera promediando el final (cuando es común que el artista se tome algunas libertades cuando el tiempo apremia) tenemos un descanso del arte, la psicodelia y el equilibrio de colores llamativos y bien utilizados se mantiene en todo momento. En algunas páginas somos testigos de experimentos del autor en cuanto a la narración y uso de esta técnica, pero nunca hay una baja en la calidad. Es un deleite visual, una psicodelia hermosa que nos atrae completamente, es un mundo único lleno de colores llamativos que es imposible dejar de disfrutar. El problema de esta técnica es la limitación que le da en la continuidad, aunque el estilo narrativo del autor suple esta falla con diálogos explicativos, exceso de diálogos por cuadros más una narrativa pausada, notamos que falta algo más de movilidad entre las escenas o entre los cuadros, no se hace molesta pero si notoria que puede no gustar a la mayoría.

En cuanto a la historia, se nos presenta un grupo de superhéroes llamados Los Potenciales que protegen a la ciudad de Brutópolis y sus brutos, quienes también entrenan para convertirse en futuros potenciales. La historia en general transcurre por los caminos de la previsibilidad, salvo algunas excepciones, no estamos ante un guion original y el autor tampoco la pretende. Si hay varios elementos interesantes que no son explotadas del todo, como los choques entre ellos o la opinión que tienen sobre las personas a las que cuidan, son  varias cuestiones reflexivas sobre el superhéroe que le dan interés a la obra cuando la historia camina por un recorrido conocido, en especial en este género. El guion se adapta muy bien al estilo de dibujo de su autor y es difícil (a la vez sería interesante) imaginar una historia distinta con este arte.

Los Potenciales es un deleite visual que nos ofrece una narrativa con el uso de colores más allá del dibujo pero que no esta exenta de puntos en contra, el primero es que si no nos gusta este estilo, no es una obra fácil de digerir. La presencia tan fuerte de este estilo hace que, de no gustarnos, no podamos conectarnos con la historia y terminemos abandonándola. Lo segundo es que limita a la narración porque le quita continuidad y movilidad, la cual debe ser suplantado por un exceso de diálogos y texto retro, que no lo hace malo pero que le borra la frescura a un arte que lo tiene. A cambio de esto, el autor nos ofrece varios conceptos interesantes sobre el superhéroe pero que no termina de explotar por las limitaciones en la narrativa o por la presencia excesiva de personajes y situaciones.

Sobre el final, nos regalan una historia extra con una narrativa más fresca y mejorada del resto del libro y presenta un desafía para el autor: lograr este mismo nivel en el guion para el próximo arco argumental principal.

[RESEÑA] “La Resaca” de Fede Pazos

El sabor de la noche anterior

La Resaca” de Fede Pazos 

Ed. Hotel de las Ideas y Loco Rabia

Publicado en Central Mutante

La asociación Loco Rabia/Hotel de las Ideas nos trae una nueva colaboración, luego de la bizarra e interesante edición local de “Magia Blanca” de Simon Hanselmann: “La Resaca” del autor Fede Pazos, a quien conocimos luego de “La Ciudad de los Puentes Obsoletos” (editado por Editorial Común).

Resaca_TAPA FINAL

La Resaca” reúne 4 historias, en un vistazo parecen ser bastante disimiles para luego ir relacionándose y compartiendo ciertos elementos en común como extensos diálogos y toques de filosofía o de un llamado a la reflexión. Se las presentan en segmentos que se mezclan entre sí como parte de acto, un recurso narrativo que vimos en historieta en “Mi Buenos Aires Querido” de Alejandro Farias pero que es común en las antologías de películas de comedia romántica. Para este libro el resultado es algo variado, en algunas de las historias la división es correcta porque permite no aburrirnos cuando los diálogos se hacen muy extensos y nos da un respiro que no viene nada mal para aclarar un poco la cabeza, además de sumar un poco de suspenso en un desarrollo sin sobresaltos siempre viene bien, pero también le juega en contra porque terminamos perdiendo el foco de lo que sucede en momentos que debemos estar más finos en la lectura para no perdernos detalle y volver atrás en una historieta divida se hace difícil.

Sin títulos y con un cambio de estilo en el arte notorio comenzamos con la historia de ‘El Viejo’ que inicia con una secuencia muy ingeniosa. Con cada entrega vamos descubriendo más de este personaje, su desarrollo es de lo más trabajado, aunque demora bastante en encaminarse a lo que quiere contar cuando lo hace se transforma en una historia muy bien lograda con entregas bien divididas que nos permite ir descubriendo a un ritmo lento más del personaje y de su situación, para luego terminar con un hermoso y poético desenlace. Es la historia que más se favorece con la división. Lo sigue ‘El Marinero’ una versión alternativa de Moby Dick entre su cazador y la presa, el monologo de su único protagonista no tiene desperdicio y es una de las historias por las que nos desesperamos por seguir leyendo. La visita del ‘Amigo’ desencadena una historia con situaciones alentadoras y relacionadas al humor para luego ir hacia un final no muy previsto y que no termina de cerrar con lo que veníamos leyendo, la excusa de las divisiones sirve para ir adaptándose a este cambio brusco. Por último, tenemos ‘La Charla’ entre dos personajes, es la de temática más filosófica de todas (aunque todas lo tienen en mayor y menor medida) y la que más sufre la división propuesta por el libro, hay que estar muy atento por las desviaciones que hay en el diálogos de los personajes sumado a las pausas que hay para entender lo que está sucediendo y lo que quiere decir el autor, pero las interrupciones, aunque el autor las ejecuta muy bien, terminamos por perder el foco de la charla y no disfrutamos todo el contenido que hay, lineal y no lineal.

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

La ejecución visual es perfecta y se adapta muy bien a cada una de las historias, acompañan muy bien al tipo de historia que se cuenta. El cambio más notorio es en ‘Amigo’ con un estilo más psicodélico y cercano al humor, las páginas finales y la secuencia del huevo en el intermedio es de lo mejor, muy bien agregado. Nuevamente en ‘El Marinero’ tenemos una clase magistral sobre el manejo visual con recursos visuales limitados, aunque la historia sale muy poco de sus dos protagonistas la composición de las páginas, los planos y el estilo sucio es excelente, es un dibujo perfecto con un final de lo mejor. Lo mismo sucede con ‘El Viejo’, donde sabe guardar lo mejor del dibujo para cuando el guion lo necesita, siendo las primeras páginas no tan atractivas pero si con una gran secuencia narrativa. En el caso de ‘La Charla’ el dibujo es correcto, no se presentan grandes cuadros, hasta llegamos a ver algunas fallas o cuadros muy forzados cuando debe ocupar toda la pagina con pocos cuadros.

La Resaca” es un libro complejo, la variedad de estilos y de temática entre sus historias lo hacen interesante y difícil a la misma vez, la división que propone no siempre funciona y para algunas de las historia termina perjudicando más de lo que beneficia. El desenlace de la mayoría de las historias y del final en si del libro es un ejemplo perfecto de la capacidad gráfica del dibujo de Pazos. Un libro que se puede disfrutar pero que puede dejarnos algo de sabor amargo… justamente, como la resaca.

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

[RESEÑA] “CRISIS Nº 1” DE PAEZ/YAPUR Y ZANETTI/KRUNCH

(Publicado en Indie Hoy)

Crisis nº 1: Una obra de superhéroes Made In Argentina que nos deja esperando por más

La editorial cordobesa Holograma se une al barco del género de los superhéroes pero con una visión argentina, una corriente que en los 90 y 00 tuvo sus ejemplos con El Ojo Blindado, El Chispa, La Negra, Megaman, encabezados por el Cazador, subgénero revitalizado hoy en día gracias a Capitán Barato, UMC, Liberen a la Bestia, entre otros.
Crisis 1 ofrece una visión doble de una misma idea: ¿y si la humanidad quisiera destruir a sus superhéroes?

Sin darnos mucha explicación o ilustrarnos sobre el mundo en que se desarrolla la historia, nos presentan dos visiones de este conflicto:

Agentes de B.O.R.G.E.S.
Alejandro Páez y Diego Yapur

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Estamos ante una obra imposible de dejar de lado. Tiene todo para llamarnos la atención: desde un titulo con referencia al clásico autor argentino, pasando por el género de superhéroes que es imposible (para bien o para mal) omitir, para terminar en el tremendo dibujo que tiene (aunque su portada no termine de darle suficiente justicia, algunos cuadros del interior hubiesen funcionado mucho mejor).

En este primer capítulo toda la carne al asador la pone Diego Yapur con un dibujo que se luce en cada página, el guion de Páez espera tras bambalinas para salir a último momento y dejarnos enganchados a la espera de un futuro segundo número, durante el resto del capítulo solo nos muestra algunos indicios de lo que sucede, sin develar nada importante.

Esto le juega en contra ya que la falta de un diálogo interesante o de una historia que contar pone en riesgo la continuidad de lectura, pero es ahí donde Yapur sale al rescate y nos brinda un dibujo excelente, falto de un ritmo de continuidad pero impresionante por donde se lo mire. Por momentos parece que estamos viendo instantes de una pelea que se desarrolla a una gran velocidad (como en Dragon Ball o la copia de esta en Matrix: Revoluciones) o, mejor dicho, que estamos observando jeroglíficos de una pelea antigua entre Dioses (una idea con la que parece coquetear la obra, al igual que lo hizo Zack Synder en su intento de universo DC). No hay una narración de la pelea, sino pequeños y espectaculares destellos de esta.

Universo de Papel
Matías Zanetti y Kundo Krunch

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

Crisis está pensado como dos obras que son la contracara una de la otra pero que se complementan. Si la anterior se caracterizaba por su rapidez y lo épico para entregarnos su desarrollo, acá tenemos lo contrario con una narración tranquila y muy urbana.

Matías Zanetti narra su historia con equilibrio y cotidianidad para presentar a sus personajes. Se nos presentan algunos indicios de lo que sucede en este mundo con respecto a los superhéroes para comenzar a entender lo que está pasando. Le juega en contra la extensión obligada y el final al que quiere llegar, sobran páginas/situaciones con recursos y personajes que ya están gastados y con un relato nada novedoso. Sobre el final, cuando ya empezamos a ver el verdadero conflicto es cuando recuperamos el interés y Zanetti se despacha con un cierre perfecto.

A contramedida de su compañero ilustrador, Krunch muestra todo el dinamismo y narrativa visual de la que carecía Yapur, acá no tenemos cuadros majestuosos pero sí un relato visual que nos mantiene atentos y nos van llevando cuadro a cuadro sin querer soltar el libro. La composición de las páginas es perfecta, aunque a simple vista lo pareciera, nada sobra, todo está bien ejecutado.

[RESEÑA] “BEATNIK BUENOS AIRES” DE DIEGO ARANDOJO Y FACUNDO PERCIO

La corriente de arte experimental que intentaba redefinir el arte acercándose con otra óptica y ejecutarlo como parte integral de la vida, no fue propia de un país determinado, aunque sus exponentes más conocidos podemos encontrarlos en otras tierras, y en Argentina (por lo menos en Buenos Aires) tuvo su punto de encuentro en el Bar Moderno, el Instituto Di Tella y el grupo Opium.

Utilizando estos lugares como punto de referencia, Diego Arandojo nos cuenta en capítulos de 6 páginas distintas situaciones que ilustran a estos artistas y a esta corriente, sin un hilo en común, salvo la inquietud y el acercamiento al arte desde una perspectiva individual y experimental de estos autores. Sin perder el tiempo en retratar una época, nos va dando pinceladas de esta época contado distintas situaciones para que sea el lector quien arme el rompecabezas y caracterice por si solo esta corriente.

Hay un gran acierto en la forma en que organiza el libro, comenzando por los capítulos que más están conectados gracias a la aparición de personajes que se repiten. Para luego ir pasando a otros donde el capitulo pasa a ser una anécdota sin un fin definido más que las de contar algún hecho curioso, presentar algún personaje conocido o indagar la superficie de estos autores necesitados de entender el arte. Es en estas donde el número de 6 páginas por capítulo le juega en contra, donde se siente el estiramiento y la falta de una historia que contar pero donde encontramos la excusa perfecta para disfrutar del magistral dibujo de Facundo Percio. No faltaran citas a las obras de estos autores con poemas y relatos, algunos con tintes de adaptación, presentados en su justa medida, sin abusar de ellas para que el lector no se aburra y sienta que ya dejo de ser un libro sobre el movimiento para pasar a ser una adaptación. El capítulo final con el incidente en el teatro es el cierre perfecto, si bien no es el ultimo cronológicamente hablando, para vaticinarnos el destino de este movimiento y de sus exponentes en los próximos años al verse obligado a chocar contra una ideología castrista y militarista que comenzaba a surgir nuevamente.

El agregado final con más información sobre cada relato se hace necesario en más de un capítulo para terminar de entender lo que se contó, y en algunos otros solo servirá para tener datos concretos.

En materia visual, Percio hace un laburo fabuloso en cada página y en cada viñeta. Responde de forma solida y fresca cada desafío del guion que se muestra inquieto y nunca utiliza una misma narración, si en un capitulo muestra a un personaje leyendo una cita al siguiente decide utilizar la metáfora o hacer una libre interpretación de la cita. El dibujo apoya y mejora cada una de las narraciones para darnos un relato unificado y solido. El estilo “nublado” que tiene la historia, no solo lo hace más atractivo, distintivo, sino que ayuda mucho a sentirnos parte de esos años.

Beatnik Buenos Aires” (editado por Hotel de las Ideas) es un retrato perfecto para un primer acercamiento a una corriente artística que permanece en el olvido a excepción de algunos casos puntuales. La falta de una historia central no permite profundizar más en ella, quedara en el lector la decisión de tomar la invitación para aprender más sobre este movimiento.

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

[RESEÑA] “¡México Lindo!” DE FERNANDO CALVI

Reseña publicada en IndieHoy.

Cuando la revista Fierro volvió a nuestros kioskos significo muchas cosas, por un lado (y el punto más obvio) el regreso de un icono que marco una época y que daba un contundente mensaje: la historieta argentina definitivamente estaba reviviendo luego de años de combate en forma de fanzines, ediciones y festivales independientes. Y por el otro lado (ya el punto más importante) era que nos reencontrábamos con autores que hacía años que no podíamos disfrutar en papel y en una edición local, uno de ellos era Fernando Calvi, un excelente autor que nos sorprendió con la poética y visualmente atractiva “Altavista”, que se presento durante un largo tiempo (tal vez un poco demasiado) en las páginas de la revista.

En la literatura, y en otras obras de arte, la tierra de México esta encasillada como el lugar del mundo para escaparse de algo, así como Italia es el territorio de la mafia. El motivo más común de los escapistas, y del que la obra de Calvi hace varias referencias, es el de no rendir cuentas ante la Ley, y luego podemos encontrar otras razones como huir del pasado, de un presente complicado o bien de promesas de violencia de terceros. En esta historia, el señor T. huye hacia suelo mexicano buscando un lugar para morir luego de haber roto con su promesa de amor eterno, al aterrizar se encuentra con un habitante de esas tierras que le da una lista de lo que debe hacer antes de morir.

La lista que debe cumplir el señor T. le servirá para descubrir a México, lugar que solo veía como un perfecto cementerio, y también para alargar la ejecución de su decisión e indirectamente reflexionar si tomo la decisión correcta. Este viaje será narrado con una línea similar a lo visto en “Altavista” pero sin un texto tan presente y poético sino con diálogos entre personajes y pensamientos con las palabras justas que con un estilo casi detectivesco nos dan pequeñas pistas de lo que en verdad está sucediendo, de la trama oculta detrás de la lista de su protagonista. Acá nos encontramos con un punto fuerte de la obra, donde la presencia de una  narrativa vinculada a la metáfora genera un juego para el lector quien debe interpretar el fondo de la trama y pensar lo que los personajes están viviendo, de esta forma queda atrapado en una narración perfecta, atrapante y misteriosa que por supuesta tendrá diferentes interpretaciones para quien lo lea, pudiendo imaginar significados y tramas o bien una historia bizarra con personajes extraños que se comportan de esa forma porque ya no tienen nada que perder.

Párrafo aparte para lo impecable del arte, Calvi se las arregla para que cada una de sus obra tenga una impronta propia (además de la ya cita “Altavista”, podemos hablar de “El Maquinista del General”, “Lo Blanco del Ojo”, etc.), manteniendo su propio estilo logra generar una innovación que queda perfecta para cada obra, logrando que cada una vez sea única en su arte. En este caso el dibujo se mezcla con un guion misterioso,  se generan primeros planos que nos eliminan la vista general para que no podamos ubicarnos, el color se sale de sus límites para dar esa sensación de irrealidad y la línea se multiplica en las formas dibujadas para crear un ambiente onírico que le da más fuerza a la trama. La edición del libro acierta muy bien al elegir un papel con un color de fondo que acompaña muy bien al dibujo, acompañando al misterio de la historia en pequeños detalles como la biografía de Calvi y agregando un valor extra con su prologo y epilogo para quienes ya leímos la historia en Fierro.

“¡México Lindo!” es una gran obra, no por su historia sino por su ejecución con diálogos perfectos donde no sobra una palabra, todo encaja en su sitio y con un dibujo soberbio que ya vale por si solo.

El pase de diapositivas requiere JavaScript.

[RESEÑA] “El Sueño de Icaro” de Brebre

Publicado en Indie Hoy

No hay nada nuevo bajo el sol (seguramente el mismo bajo el cual volaba Icaro), es una frase que se nos viene a la cabeza al leer sinopsis de películas, programas, libros y/o historietas, y es que ya no buscamos una idea original que nos parta la cabeza sino que el atractivo de una obra pasa por cómo es contada, de esto hay grandes ejemplos y uno de ellos es “El Sueño de Icaro”, la primera novela gráfica del autor brasilero Brebre.

Estamos ante una historia autobiográfica en el que el autor nos relata su vida desde sus primeros años en Brasil hasta su mudanza a Buenos Aires donde se reencuentra con su pasión: dibujar, abandonada por las precisiones cotidianas de la vida. Un argumento que ya hemos visto en otras oportunidades, sin ir más lejos en la genial “Extraño” de Fran Fantino. Y nuevamente, como en esa obra, lo más destacado del libro pasa por como la historia es contada a través de un hermoso arte.

El dibujo es un verdadero banquete visual que, como su personaje, se desarrolla página a página, teniendo un inicio muy tranquilo sin grandes atractivos para luego ir desenvolviéndose y dar una clase de narración visual con las portadas de los capítulos, las metáforas visuales, la composición de las páginas y de sus secuencias. El texto queda relegado a situarnos en el espacio y el dibujo es el encargado de trasmitirnos los sentimientos del autor, de sus miedos, decisiones y sensaciones. Y ya cuando la historia está encaminada es cuando quedamos atrapados en una historia sin atractivos pero visualmente encantadora en el que sus 200 páginas se leen rápidamente.

El guion entiende esto y le otorga los espacios necesarios para que el arte pueda explayarse sin inconvenientes. Otorga la duración exacta de las escenas y las presenta en el momento oportuno para darle una buena continuidad a la historia y que su lectura sea ágil y llevadera, a pesar de que casi no existen los diálogos entre los personajes y cuando lo hay no es para destacarlo más que por su sencillez.

El “El Sueño de Icaro” es una obra visualmente atractiva y muy atrapante que a pesar de su cantidad de páginas y la ausencia de un guion fuerte su lectura es rápida y, gracias a su final, emotiva. Sera interesante ver otro trabajo de este prometedor autor.

El pase de diapositivas requiere JavaScript.